Dunja Hirschter

Il segreto delle radici, 2024. Galleria Edizioni Cervo Volante, Bassano in Teverina (VT), Italy. Curated by Tommaso Cascella.

Trippa e lingua, 2024. Fabric, synthetic filling, metal chain.

L'origine delle cose, 2024. Pencil on paper.

The secret of the roots

My curiosity for botany and biology met the work of Jessica Moroni and I came back to ancient drawings and lithographs of the first classifications of nature. Still unaware drawings of the DNA that is now the basis of every species and genus assignment.

I speak of the magnificent illustrations between 1700 and 1800, still full of wonder for the microscopic investigation, tables that made me discover the beauty and the mystery of unknown worlds. Beautiful hand-painted lithographs for their precision and patience.

Moroni’s work, in its expressive diversity and its non-scientific value, is uniquely poetic. His work has an ancient taste, almost a find in the eighteenth-century museum of the Observatory of Florence or in the seventeenth-century wunderkammer of Athanasius Kircher.

The world of the Moroni is underground, it is a sort of exploration of changing forms, of bizarre nature where botany becomes zoology.

Here, if read with this key to metamorphosis, the "sculptures" of Jessica are contemporary chimeras impossible to classify and, I would say, impossible to tame, to lead back to the living we know, are a different world, are an experiment.

The tentacles of its serious installations are both lianas of an unexplored forest and the tentacles of a giant jellyfish. His "totems" are made of grafts obtained with a Frankenstein surgery as much science is accustoming us to see.

But unlike so much art called "posthuman" made with resins and silicones, this of Moroni is sewn, shaped, painted, in short, made with that "technical ingenuity" that allows us to read it with an intimate and feminine look. His "monstrosities" have the seduction of a dress, have the irony of a mask, have the kindness of a mythical and incorrupt Eden.

In her drawings often recurs a woman/Eva who bathes in the bright transparency of welcoming water. Watercolors where the microscopic becomes a gigantic enchanted forest immersed in light and color, where the explorer’s journey is all mental and psychedelic.

But when Jessica Moroni takes us by the hand and accompanies us to her personal paradise, we sense with some anxiety, that the jellyfish/liana could be very dangerous and that colors could imply venomous abilities and where the chimera could come to life in an instant. A beautiful journey, this with Jessica, but also we could do the end of the fly in the carnivorous plant just sewn by the artist/ shaman.

Tommaso Cascella

Dove poggio le mani, 2023. Ma Project, Perugia, Italy. Text by Mara Predicatori. Photos by Giulio Buchiccio / quadro zero.

Totem di terra. Ceramics, glass, wax, stones, jewerly, fabric. 2023.

Totem di terra. Ceramics, glass, wax, silver hearrings, stones, jewerly, fabric. 2023.

L'incontro delle acque. Watercolours on paper. 200 x 183 cm. 2022.

L'incontro delle acque. Installation view.

rezos Rezos. Fabric, thread, wood, ceramics, jewelry, shells. 2023.

Rezos. Details.

Dove poggio le mani. Jessica Moroni. Ma Project 16.09.2023 - 01.10.2023

EN VERSION

To Practice the Imaginary

"Dove poggio le mani" is the chosen title by Jessica Moroni to encompass a selection of her works from 2019 to the present. The phrase is a reinterpretation of a passage by St. Francis of Assisi that the artist likes to quote, "our hands absorb like roots, so I place them on what is beautiful in this world." The reference carries at least three elements that strongly characterize Moroni's exploration: 1) inspiration from the natural world; 2) "beauty" as a generative element of other beauty; 3) action as a conscious act to nourish and multiply the good. It is a choice that finds in the Franciscan message an example of a possible harmonious encounter between humans and nature, enacted in daily reality and, for Moroni, in art.

Before being aesthetic, Moroni's exploration is, in fact, operational and methodological: a placing of hands. An existential practice that, in the very exercise of the work, expresses respect for certain cultural aspects rooted in the struggles of the 1960s, with ecological, spiritual, and feminist influences. In the midst of an ecological and social crisis, in a cultural climate no longer defined by "Western" cultural eugenics, Moroni transforms the matured awareness of being part of an ecological network and a precarious sustainability system into a transformative action where art itself becomes an act of care and non-oppressive change. The imaginative practice in her work becomes an enacted act to achieve a possible reconciliation between humans and nature, humans and humans, visible and invisible, starting from actions of care, mending, and defining new balances that glorify the generative and primal forces of the universe. Jessica Moroni works by uniting, assembling, and transforming natural elements, materials of organic origin, and found objects into forms infused with archetypal suggestions: the high and the low (Flores de Plutón, 2021), the sky and the earth (Vainas, 2023), the bridge (Puente, 2019-2023), the feminine and the masculine (Totem di terra, 2023). Even the works she had previously produced are reabsorbed into new installations where the before, the after, and the now are assimilated into the category of transformation that rightfully enters the raw material of the work. From what she perceives as beautiful and potential, her hands draw nourishment to reinvent and build visions that, while starting from the real, detach from it to touch the shores of the dreamed. She shapes objects-beings that resemble small adorned and charming deities (Totem di terra, 2023); from residues of weeds and leftover wood, using papier-mâché as a saturating and connecting element, she produces works that acquire structural and autonomous value (Serie Ombligo, 2019); organic or salvage forms become fetishes and chests rich in propitiatory allusions (Flores de Pluton, 2021); then, she creates dreamy watercolors with hybrid beings or primordial shapes to construct new landscapes (L’origine delle cose o Panspermia, 2022), or natural landscapes where harmonious encounters between species, waters, and colors occur thanks to the chromatic liquidity of watercolor (L’incontro delle acque, 2022).

Despite an apparently simple and naive aesthetic, we could say naïve, the worlds that Jessica Moroni recreates and the visions she suggests, like fables and myths, resonate with a thousand echoes and potential meanings. The meaning that inhabits her creatures remains entangled in a maze of seemingly incongruous forms, objects, colors. Her works become enigmas, close and familiar, attractive and seductively ambiguous like practicable but unknown worlds. We fully grasp them, in their evident constitutive material and iconographic, yet they leave us perplexed by not clearly manifesting the generative principle and the logic that governs them, making them beautiful with an exotic beauty. Every form of learning and attribution of meaning to the world and social rules passes through the childhood game of "pretending" and, in adulthood, through the practice of apprenticeship, that is, of remaking according to example. Thus, if a person sees and practices a different way of casting one's gaze and hands upon the world, then, with "Dove poggio le mani," Jessica Moroni offers the public the opportunity to reread reality as a set of different potential relationships: supportive, non-hierarchical, mutual-help, rediscovering the beautiful essence of the useless, the non-durable, the error of nature as an integral part of a universe where we can subvert hierarchical and capitalist attitudes and embrace a transformative principle. A political example (in the broadest sense of the term) enacted through artistic practice. The apparent primitive naivety of certain choices, therefore, is the stylistic expedient necessary to lead us, from the margins of myth and fable, into the myth and fable itself, to practice a utopia and begin to create it in reality. Because imagining is a bit like becoming what one imagines. A child's game, a practice for adults.

IT VERSION

Praticare l'immaginario.

Dove poggio le mani è il titolo scelto da Jessica Moroni per abbracciare una selezione di propri lavori che vanno dal 2019 ad oggi. La frase è la rivisitazione di un passaggio di Francesco d’Assisi che l’artista ama citare “le nostre mani assorbono come radici, quindi le poso su ciò che è bello in questo mondo”. Il riferimento porta con sé almeno tre elementi che connotano fortemente la ricerca di Moroni: 1) l’ispirazione al mondo naturale; 2) il “bello” come elemento generatore di altra bellezza; 3) l’azione come atto consapevole per nutrirsi e moltiplicare il buono. Una scelta di campo quindi che trova nel messaggio francescano l’esempio di un possibile incontro armonico tra uomonatura agito nella realtà quotidiana e, per Moroni, nell’arte.

Prima che estetica la ricerca di Moroni è, infatti, operativa e metodologica: un poggiare le mani. Una pratica esistenziale che esprime, nell’esercizio stesso del lavoro, il rispetto di alcuni portati culturali delle lotte anni ’60 di matrice ecologista, spiritualista, femminista. In piena crisi ecologica e sociale, in una temperie culturale non più connotata dall’eugenetica culturale “occidentale”, Moroni trasforma la maturata consapevolezza di far parte di una rete ecologica e in un sistema di sostenibilità precario, in un’azione trasformativa in cui anche l’arte diventa un atto di cura e di cambiamento non prevaricante. La pratica immaginativa nel suo lavoro diventa pertanto un atto agito per operare una conciliazione possibile tra uomo e natura, uomo e uomo, visibile e invisibile, proprio a partire da azioni di accudimento, ricucitura e definizione di nuovi equilibri che glorificano le forze generatrici e primigenie dell’universo.

Jessica Moroni lavora unendo, assemblando e trasformando elementi naturali, materiali di origine organica e objet trouvè in forme intrise di suggestioni archetipiche: l’alto e il basso (Flores de Plutón, 2021), il cielo e la terra (Vainas, 2023), il ponte (Puente, 2019-2023), il femmineo e il maschile (Totem di terra, 2023). Anche le opere che aveva prodotto precedentemente vengono riassorbite in nuovi allestimenti in cui il prima, il dopo e il poi sono assimilati nella categoria della trasformazione che entra di pieno diritto nella materia prima del lavoro. Da ciò che percepisce come bello e potenziale, le sue mani traggono nutrimento per reinventare ed edificare visioni che, pur partendo dal reale, si disancorano da esso per toccare i lidi del sognato. Dà forma così a oggettiesseri che sembrano piccole divinità agghindate e vezzose (Totem di terra, 2023); a partire da residui di piante infestanti e legni di risulta, grazie all’uso della cartapesta usata come elemento che satura e congiunge, produce opere che acquistano valore strutturale ed autonomo (Serie Ombligo, 2019); forme organiche o di recupero diventano feticci e scrigni ricchi di allusioni propiziatorie (Flores de Pluton, 2021); poi realizza acquarelli trasognati con esseri ibridi o sagome primigenie a costruire nuovi paesaggi (L’origine delle cose o Panspermia, 2022), o paesaggi naturali in cui si realizzano forme di incontro armonico tra specie, acque e colori grazie alla liquidità cromatica dell’acquarello (L’incontro delle acque, 2022).

Pur con una estetica apparentemente semplice ed ingenua, potremmo dire naïf, i mondi che Jessica Moroni ricrea e le visioni che suggerisce, come le favole e i miti, risuonano di mille echi e sensi potenziali. Il significato che abita le sue creature rimane avviluppato in un intrico di forme, oggetti, colori apparentemente incongrui. Le sue opere diventano enigmi vicini e familiari, attraenti e seduttivamente ambigue come mondi praticabili ma ignoti. Le cogliamo totalmente, nella loro palese materia costitutiva e iconografica, eppure esse lasciano interdetti non manifestando chiaramente il principio generativo e la logica che le presiede e le fa belle di una bellezza esotica.

Ogni forma di apprendimento e di attribuzione di senso al mondo e alle regole sociali passa nell’età infantile attraverso il gioco del “far finta di” e nell’adulto attraverso la pratica dell’apprendistato, ovvero del rifare secondo esempio. L’uomo, attraverso l’imitazione di determinati ruoli ed azioni e l’immedesimazione con quanto vede ed esperisce, apprende il sistema di relazioni, emozioni e poteri che allignano nei modelli sociali offertegli.

Dunque, se l’uomo vede e pratica una diversa modalità di apporre lo sguardo e le mani sul mondo, allora, con Dove poggio le mani, Jessica Moroni offre al pubblico la possibilità di rileggere la realtà come un insieme di relazioni potenziali diverse: solidali, non gerarchiche, di mutuo-aiuto riscoprendo l’essenza bella dell’inutile, del non durevole, dell’errore di natura come parte integrante di un universo in cui possiamo sovvertire l’attitudine gerarchica e capitalistica ed accogliere un principio trasformativo. Un esempio politico (nell’accezione più ampia del termine) agito attraverso la pratica artistica.

L’apparente ingenuo primitivismo di certe sue scelte, dunque, è l’espediente stilistico necessario per condurci, dai margini del mito e della favola, dentro il mito e la favola stessa, per praticare un’utopia e iniziare a crearla nella realtà. Perché immaginare è un po' diventare ciò che si immagina. Un gioco da bambini, una pratica da adulti.

Mara Predicatori

Vainas, 2023. Espai MercArt, Sant Just Desvern (ES). Curated by Laura Baringo and Quim Deu.

Vainas. Fabrics, threads, feathers, seeds, shells, beads, brass, jewelry. 2022.

Vainas. Details.

El món orgànic. Isabel Banal, Battleroig, Luís Bisbe, Joan Fontcuberta, Annebarbe Kau, Jessica Moroni. Espai Mercart 04.02.2023 - 23.03.2023

EN VERSION

The suspended textile installation "Vainas" is made with fabrics and organic materials, as well as personal decorative elements such as necklaces, beads, and earrings.

The chosen shapes are inspired by fruits and vegetables hanging from trees and gardens, as well as creeping plants. They also evoke stairs and other vertical symbolic elements found in ancestral cultures of various geographical origins, to represent the energetic union between the sky and the earth, which is at the core of creation myths in many ancient cultures.

The installation also includes interwoven ropes that evoke the double helix shape of DNA, which, according to recent anthropological research, is believed to be the original form underlying the oldest cosmogonic representations. It is also linked to visions generated by hallucinations and altered states of the psyche, associated with the origin of life itself.

The presence of natural materials evokes ancestral mythological figures, like Vainas, representing the union of the earth and the sky through symbols such as stairs and creeping plants. Like totems, Vainas are ritual elements inviting us to reflect on the sacred connection between humans and nature. This work reminds us that we need to rediscover our bond with nature and develop a greater awareness of its interconnectedness with human life to ensure a sustainable future for all living beings.

IT VERSION

L’installazione tessile sospesa Vainas è realizzata con tessuti e materiali organici, così come elementi usati per la decorazione personale, come collane, perle ed orecchini.

Le forme scelte si ispirano alla frutta e alla verdura che pendono dagli alberi e dagli orti, e alle piante rampicanti, ma evocano anche scale ed altri elementi simbolici verticali, presenti nelle culture ancestrali di diverse origini geografiche, per rappresentare l'unione energetica tra il cielo e la terra, che per molte culture antiche è alla base dei miti di creazione.

L'installazione include anche delle corde intrecciate che evocano la forma della doppia elica del DNA, la quale, secondo recenti ricerche antropologiche, sarebbe la forma di origine alla base delle rappresentazioni cosmogoniche più antiche, ma anche delle visioni generate da allucinazioni e stati alterati della psiche, da ricollegare appunto all'origine della vita stessa.

La presenza di materiali naturali evoca delle figure mitologiche ancestrali, che, come Vainas, rappresentano l'unione della terra con il cielo attraverso simboli come scale e piante rampicanti. Come i totem, Vainas è un elemento rituale che ci invita a riflettere sulla visione sacra della relazione tra gli esseri umani e la natura. Quest'opera ci ricorda che dobbiamo riscoprire il nostro legame con la natura e sviluppare una maggiore consapevolezza delle sue interconnessioni con la vita umana, per garantire un futuro sostenibile per tutti gli esseri viventi.

La instalación Vainas está inspirada en la naturaleza del Amazonas y en los símbolos ancestrales de las poblaciones que lo habitan. Estas poblaciones han desarrollado una profunda comprensión de la naturaleza y de sus interconexiones con la vida humana, gracias a su práctica agrícola sostenible, al conocimiento de las propiedades medicinales de las plantas y al respeto por los árboles y las plantas como seres vivos. Esta comprensión es un patrimonio fundamental para el futuro de la humanidad, ya que nos invita a redescubrir el valor del conocimiento tradicional y de las prácticas agrícolas sostenibles como herramientas esenciales para proteger el ambiente natural y garantizar un futuro sostenible para todos.

La instalación textil suspendida Vainas ha sido realizada con materiales orgánicos, como semillas del Amazonas y plumas, así como elementos utilizados para la decoración personal, como collares, perlas y aretes, utilizados por el artista. Estos materiales naturales evocan las figuras mitológicas ancestrales, las cuales, similares a Vainas, representan la unión de la tierra con el cielo a través de símbolos como escaleras y plantas trepadoras. Como los tótems, Vainas es un elemento ritual que nos invita a reflexionar sobre la visión sagrada de la relación entre el hombre y la naturaleza y a redescubrir el conocimiento tradicional y las prácticas agrícolas sostenibles para garantizar un futuro sostenible para todos.

La instalación Vainas, con sus formas orgánicas y sus elementos simbólicos, evoca la vida orgánica del Amazonas. Las formas elegidas se inspiran en las frutas y verduras que cuelgan de los árboles y huertos, pero también evocan las escaleras, las plantas trepadoras y otros elementos simbólicos presentes en las culturas ancestrales para representar la unión entre el cielo y la tierra, como símbolos recurrentes en culturas tradicionales de todo el mundo. La instalación también incluye cuerdas entrelazadas que evocan la forma de la doble hélice del ADN, que según lo explicado por Jeremy Narby en su libro "El serpiente cósmico. El ADN y los orígenes del conocimiento", estaría en la base de las representaciones más antiguas sobre el origen de la vida. Nos recuerda que debemos redescubrir nuestro vínculo con la naturaleza y desarrollar una mayor conciencia de sus interconexiones con la vida humana, si queremos garantizar un futuro sostenible para todos.

Vainas fue realizada para la muestra colectiva "El món orgànic", curada por Laura Baringo y Quim Deu, en la que participan los artistas Isabel Banal, Battleroig, Luís Bisbe, Joan Fontcuberta y Annebarbe Kau.

El arte de acción o performance es parte de mi práctica artística, como herramienta que me acerca a las personas y me permite compartir mi proceso creativo a través del contacto con el público, la improvisación y la creación colectiva. Además me permite crear nuevos espacios de ritualidad.

Foto de Eva Parey

CAPITULO TRES

MEDITARAVE

Meditarave, Fabra i Coats, 2021. Foto de Eva Parey.

MEDITARAVE es un performance participativo que propone repensar los espacios interiores y exteriores a partir de la meditación colectiva y el concepto fiesta, que incluye la colectividad en su esencia. Pasar de un espacio íntimo a un espacio abierto; del recogimiento a la expansión; de la unificación a la disgregación y al revés. Se trata de una colaboración entre artes plásticas, música y performance participativo.

El objetivo es generar conciencia de colectividad y promover la transformación. El concepto de transformación, convierte la fiesta en un espacio de reconexión espiritual con nuestra naturaleza profunda y con la colectividad, liberándonos de las limitaciones culturales y de las creencias personales. Un proceso necesario para generar espacios internos de autoconocimiento.

Foto de Duae

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